ARTISTAS DE ÁFRICA Y OTROS 80 PAÍSES ACTUARÁN EN FESTIVAL ACP EN SANTO DOMINGO

Omar Pené, Senegal
Malouma, Mauritania
Xiomara Fortuna, Rep. Dominicana
Culture Musical Club, Zanzíbar
Bongo Love, Zimbabwe
Ballet Roto, Rep. Dominicana
Sonia Silvestre, Rep. Dom.

Festival artístico reunirá en el país estrellas de África y de otras naciones

SANTO DOMINGO.- Reconocidos artistas de África, Caribe y el Pacífico actuarán en la primera entrega del Festival de Cultura ACP en el país. Este será gratuito para el público.

Las raíces culturales de los países del grupo África, Caribe y Pacífico estarán presentes en la Ciudad Colonial, la sala Manuel Rueda y en la Plaza de la Cultura Juan Pablo Duarte. El festival se hará con motivo del II Foro de Ministros de Cultura, del 11 al 21 de octubre próximo.

El denominado Festival de Festivales ACP comenzará el 14 de octubre y concluirá el 21 con artistas de 80 países. Durante las jornadas, el público nacional y extranjero encontrará una propuesta artística diversa, así como un área destinada a las industrias culturales. La danza, el cine, la pintura, artesanía, gastronomía, la moda, bailes tradicionales y la danza clásica formarán parte de este gran encuentro de cultura que por primera vez es presentado en el país.

El Foro de Ministros de Cultura y el Festival Cultural ACP es organizado por la Secretaría de Estado de Cultura y la Oficina del Ordenador Nacional para los Fondos Europeos. Los artistas y agrupaciones confirmadas que actuarán son:

Andy Palacio and the Garifuna Revival Band, de Belice
Bare Essentials Ban de Jamaica
Bongo Love, de Zimbabwe
Culture Musical Club, de Zanzíbar
Kékélé de DR Congo
Lang’i de Congo Brazzaville
Malouma de Mauritania
Manou Gallo de Costa de Marfil
Mayra Andrade de Cabo Verde
Menwar and SagaÔ de Mauricio
Mungal Patasar and Pantar de Trinidad & Tobago
Nfithe de Mozambique
Omar PËne de Senegal
Simon Nwambeben de Camerún.

Producción
La dirección artística del festival es de José Antonio Rodríguez, quien contrató los servicios de reconocidos artistas populares “para que den la cara por el país” con una propuesta variada que incluye a:

Sergio Vargas
Los Hermanos Rosario
Manuel Jiménez
Fellé Vega
Roldán
Luis-El Terror- Días
Xiomara Fortuna
Sonia Silvestre
Guarionex Aquino
Maracandé.

La productora de televisión Tita Hasbún coordinará los desfiles de modas. La danza clásica y folklórica criolla estará representada por:

Ballet Clásico Nacional
Ballet Roto
Ballet Folklórico Nacional
Ballet Folklórico de la UASD (Universidad Autónoma de Santo Domingo)
Ballet Folklórico de Santiago.
Edmundo Poi
Marili Gallardo.

Las funciones, abiertas al público, estarán pautadas para comenzar a las 7:00 y 8:00 de la noche.

Texto: Listín Diario, Santo Domingo

Fotos: Red

PROGRAMA DE LOS ARTISTAS
EXPOSICION DE LAS ARTES VISUALES ACP DANZA CONTEMPORÁNEA

El Tango de la Muerte
Augusto Cuvilas
Coproducción: CCFM de Maputo / AFAA y Proyecto Cuvilas
Coreografía y performance: Augusto Cuvilas
Mozambique
Todo es una cuestión de elección… el Tango de la Muerte cuestiona la idea del pensamiento conciente e inconciente, la modestia y el control sobre sí mismo.

Es una reunión con uno mismo, un intercambio entre dos mundos, el de lo conciente y el de lo inconciente, un camino que combina el cuerpo y el espíritu.

Augusto Cuvilas, bailarín y coreógrafo, nació en 1971 en Mozambique. Estudió en la Escuela Nacional de Danza de Maputo, la Escuela Nacional de Artes (ENA) en Cuba y en la Universidad de Paris XIII. Fue coreógrafo y director artístico de la Compañía Nacional de Mozambique. Fundó su propio proyecto, el Proyecto Cuvilas. Esta compañía pretende trabajar con jóvenes coreógrafos que deseen laborar con diferentes tipos de baile. Basado en su propia experiencia, mantiene un espacio abierto para la confrontación entre el baile de Mozambique y la danza contemporánea.

Résistance
Ayikodans Dance Company
Coreógrafo: Jeanguysaintus
Haití

La Ayikodans Dance Compañía es el 1er grupo de baile en Haití es dirigido por el coreógrafo de reconocimiento internacional Jeanguysaintus. Ayikodans presenta una perfecta mezcla de estilos de baile moderno y tradicional. Fundado en 1987, Ayikodans (antes Artcho Danse) ha representando a la rica cultura de Haití en números eventos internacionales (Trinidad, Puerto Rico, Guadalupe, Martinica, Francia, Jamaica, Nueva York, Miami, República Dominicana, España, Japón…). La compañía representa lo mejor de la cultura haitiana. Los tambores y bailarinas se combinan para ofrecer espectáculos que captan la atención y estremecen el espíritu.

El grupo es una confirmación física e intelectual de la nueva estética en la danza haitiana. Muchos consideran, con buenas razones, que Ayikodans son los embajadores culturales más jóvenes y vibrantes de Haití.

Impro-Visé 2
Compagnie 1er Temps
Senegal

En el año 2000, tras haber colaborado con numerosos directores y coreógrafos, Andréya Ouamba, de Pointe Noire, Congo Brazzaville, decide crear una compañía en Dakar, Senegal. El coreógrafo congoleño Chrysogone Diangouaya la nombra Compañía 1er Tiempo.

La nueva pieza “Impro-Visé_2”, se inspira de los niños de las calles de Dakar.

La compañía organizó talleres con los niños, acompañándolos en sus actividades cotidianas y hablando con ellos. El resultado es una presentación abstracta de las luchas de poder entre ellos (conocidos como “talibé” en Dakar) así como el viaje de un mendigo infeliz y la persona que lo regala una razón para vivir.
Después de la primera parte de esta performance de dos personas, la Compagnie 1er Temps invitará a dos coreógrafos locales para que participen en la segunda parte, creando juntos une performance frente a los espectadores.
Mitad espectáculo, mitad reunión de espíritus creativos.

Errance
Compagnie Kettly Noël
Coreografía y Dirección: Kettly Noël
Escenografia: Joël Andrianomearisoa
Música: Ivo Malec y Bjork
Luz: Augusto Cuvilas y Viviane Givort
Ensayos y Direccion: Agosto Cuvilas
Bailarina: Kettly Noël
Malí

Kettly Noël nació en Puerto Príncipe, Haití. Estudio como bailarina y actriz en el Actor Studio de Paris dirigido por Jack Waltzer. Desarrolló un interés en el baile haitiano profano y sagrado, luego empezó explorar las danzas de Benin y de Malí. Su trabajo como coreógrafa empezó en 1989 en Haití. Se mudó en Paris en 1990 y fundó su primera compañía de baile y creó su primera obra coreográfica Nanlakou, en La Casa de las Culturas del Mundo con el apoyo del FACIG y del Théâtre Contemporain de la Danse, en 1995.

Benin fue el comienzo de su experiencia africana, en 1996: “Desde que llegué a Cotonou, trato de entender lo que estoy haciendo. Pare entender, comparto con los otros y estoy aprendiendo a través del proceso de compartir.” Con este enfoque, empezó a enseñar a jóvenes de la zona y fundó una compañía con ellos. Hoy, cada uno de ellos es miembro del Ballet Nacional. A finales de 1996, llegó a Malí y repitió el mismo programa de enseñanza. Fue el origen de L'Espace, un estudio de baile y coreografía. Siguió experimentando y produjo varios performances: Cousin, Cousine en 2001, Tichelbe en 2002 (3er Premio del 5to African/Indian Ocean competition en Madagascar y el Premio Mejor Joven Bailarina de Radio France Internacional) por, Gaou en el 2005 y recientemente por Errance.

Su trabaja se focaliza en el sentido del movimiento, las raíces y las fuente comunes que lo alimentan. También fundó Dance Bamako Dance, el festival internacional de danza contemporánea de Bamako.

Geeme
TchéTché
Coreografia: Béatrice Kombé
Artistas: Béatrice Kombé, Nina Kipre, Nadia Beugre, Flavienne Lagon
Costa de Marfil

En Bété, un idioma hablado en el centro oeste de la Costa de Marfil, “tchétché” significa águila, representando el poder, la gloria y la dominación. Esas son las fuerzas que empujan esta joven y ambiciosa compañía.

TchéTché fue creada el día 1 de junio de 1997, en Abidján, Costa de Marfil. Fue el resultado de la pasión común compartido por dos jóvenes: Jeety Lebri Bridji, director artístico y Béatrice Kombé, coreógrafa. Las cuatro bailarinas que la integran, dinámicas y trabajando con un espíritu de colaboración, representan la juventud urbana africana, listas para descubrir y crecer.

La región occidental de la Costa de Marfil tiene una cultura de baile muy rica. Incluye el Temate de Facobly (homenaje de las niñas a los espíritus para que lleven cosechas de arroz abundantes), el baile de Gouessesso y Danane (una pieza coreográfica y gimnástica ejecutada por jóvenes con mascaras y con zancos de 3 metros), así como el baile llamado Gouah (en la cual jóvenes expresan su gratitud a los dioses).

TchéTché recibió el Premio de la UNESCO en 1999 en el Festival de Artes y Espectáculos Africanos de Abidján. La compañía recibió igualmente el segundo premio de la Reunión Coreográfica de África en Madagascar en el año 1999 y el Premio al Mejor Artista Novel de Radio Francia Internacional en Paris, del año 2000.

Letila Mitchell
Fiji
Director de Pasifik Dance Theatre, una compañía de baile basada en Suva, Fiji y en Londres desde 1997, Letila Mitchell juega un papel importante en el área cultural del Pacifico. Dirigió artísticamente el 9no Festival de Artes del Pacifico y en el año 2000 fundó la PICA, (Asociación Cultural Isla Pacifica).
Nació en Australia, de herencia Rotuman y se graduó en el National Institute of Dramatic Arts de Sydney antes de crear el Fu Helava Dance Troupe, en Suva, donde actúa como gerente y actor de performance.

No man"s gone now
Gàara Projects
Bailarín: Opiyo Okach
Coreógrafo: Julyen Hamilton
Kenia

Recibió el Premio SACD al Nuevo Talento en Coreografía (2003) y el Premio holandés Fundación Príncipe Klaus para la Cultura y Desarrollo (2005), Opiyo Okach ha sido un catalizador de una nueva profundidad de reflexión intelectual y motivó el desarrollo de nuevas perspectivas y lenguajes en el baile de África oriental. Es director artístico de la Fundación Gàara Dance, la primera compañía de baile contemporáneo en Kenia, la cual el fundó en el 2002.

'No Man’s Gone Now’ ha sido creado para la sección ‘Vif du Sujet’ del Festival de Avignon, un programa que necesita que el bailarín elija un coreógrafo con el cual tiene que crear un solo. Opiyo Okach eligió a Julyen Hamilton para una composición improvisada e instantánea, cuestionando la relación performer-autor / bailarín-coreógrafo.

Lost Face… perdu
Qudus Onikeku
Nigeria
LOST FACE…perdu fue creado en 2004 y mereció un premio del Centro Cultural Francés en Lagos, donde para muchos significa un nuevo amanecer de la danza africana contemporánea.

Qudus representa unos de los pocos africanos que ha tenido la suerte de descubrir su talento muy temprano y que ha hecho todo lo posible por desarrollarlo.

Desde pequeño aprendió por sí mismo el arte del baile y de la acrobacia, antes de participar en Ongbeats Arts, un conservatorio de danza de la ciudad de Lagos. Recibió más entrenamiento con los Alajotas de Ibadan y hoy trabaja con la compañía Heddy Maalem, a la vez que es estudiante del Centre National des Arts du Cirque en Francia.

Ha participado en varias creaciones coreográficas, encuentros, talleres, masterclasses, performances y festivales en Europa y África. Durante los últimos nueve años ha viajado a 18 países del mundo como embajador de la danza nigeriana.

CONCIERTOS:

Andy Palacio y la Garifuna Revival Band
Belice:

Fundado hace siete anos el Proyecto Garifuna All-Stars une la vieja generación y la joven generación de artistas de América Central y del Caribe. Increíblemente hermoso y accesible, aun con raíces únicas y tradicionales, este álbum introducirá en el mundo de la música esta desconocida y específica cultura.

Ubicados cerca de las costas caribeñas de Belice, Guatemala y Honduras, los Garifunas hablan un idioma único que mezcla las lenguas de los Indios Caribes y de África occidental y su música refleja también los elementos de cada tradición.

Andy Palacio es el artista más popular de Belice y ha sido muy activo en la preservación y promoción de la cultura Garifuna. Se une con estrellas que son leyendas locales para producir un proyecto musical eterno.
Bare Essentials Band
Jamaica

Esta institución musical jamaiquina fue formada por un grupo de amigos de la segundaria cuando empezaron a tocar en el YMCA de Kingston en los anos 1970-71 durante los días gloriosos de Sing Out Jamaica. Con 35 anos de experiencia, la orquestra incluye tres cantantes y tiene un repertorio que favorece el rock jamaiquino, ska, reggae, soca, y R& B.

EL líder Errol Lee dice que la experiencia acumulada durante 30 anos ha dado a la orquestra mucha versatilidad y que se alegra mucho al ver las caras contentas en la pista de baile cuando la gente escucha una de sus canciones favoritas.
Bare Essentials ha grabado varios sencillos y 5 álbumes. El último éxito se llama Hurricane Love de la JAAVA Compilación, escrito por Errol Lee y cantado por Dwight Richards y The Best of Bare Essentials - una selección de éxitos de los últimos 30 años. Los éxitos más famosos son “Back a Yard”, la historia de Lawrence Yagga Rowe, quien encabezó el tour rebelde de críquet en Sudáfrica, Umbayaya Oh, una canción que describe la vida de una aldea en África y “Miss Jamaica”, un comentario sobre los concursos de belleza.

Bongo Love
Zimbabwe:

Es un descubrimiento del Festival Music Crossroads festival. Bongo Love surgió durante la Guerra en Zimbabwe, utilizando los tambores y canciones de su pueblo para no perder para siempre las tradiciones orales. Pertenece a una línea de jefes y reyes, que han heredado su talento musical, de cuentero de historias y su espíritu a los EE.UU., donde ha compartido estos increíbles sonidos y palabras líricas y provocadoras con músicos y oyentes.

Bongo Love es un auténtico artista africano apreciado por amantes de muchos tipos de música. Su música ha sido descrita como alegre, muy bailable y reparadora. Musicantes conocidos y críticos de música han aplaudido sus composiciones originales. Ha grabado tres CDs y está terminando el cuarto.

Culture Musical Club
Zanzibar:

El Culture Musical Club es la más grande, prolífica y exitosa taarab orquesta de Zanzíbar. Ofrecen el mejor de la música taarab en el estilo Swahili. Han hecho numerosos performances en Stone Town, aldeas de Zanzíbar y de Tanzania. Han realizado exitosas giras por Francia, Bélgica, Reino Unido, Alemania, Suiza, EE.UU., Arabia e Isla Reunión.

Sus CDs, Spices of Zanzibar, Bashraf, Waridi y The Music of Zanzibar han hecho el nombre Culture Musical Club famoso en todo el mundo y sus ensayos en el club house se ha convertido en una atracción turística que no afecta el hecho de que los ensayos se conviertan en encuentros sociales donde la gente disfruta la música.

Kékélé
República Democrática de Congo:

Kékélé, en el idioma lingala significa “lianas”, ramas de la selva que todavía se lanzan de los puentes para conectar con las orillas del río. La palabra kékélé es un símbolo, una música que conecta generaciones, sin olvidar que todas son tributarias de un solo tipo de música que todos aprecian. No hay que olvidar que durante decenas, África ha bailado gracias a la música congoleña.

Participan en Kékélé: Nyboma Mwan Dido (Négro-Succès, African All Stars, Quatre Etoiles); Syran Mbenza (La Banita, Dynamic Jazz, Somo-Somo, African All Stars, Kass Kass,QuatreEtoiles); Loko-Masengo (Madjesi, Jamel-National, Négro-Succès, Vox-Africa, Vévé, Les Trois Frères); Bumba Massa (Cubana-Jazz, Conga 68, Carrousel, Lovy du Zaïre, O.K. Jazz); y Wuta Mayi (Jamel-National, Bamboula, Continental,O.K.Jazz,QuatreEtoiles).

Lang’i
Congo Brazzaville:

“Lang’i” en el idioma ingala significa “color.” El grupo se fundó hace dos años pero Lang ‘i se ha convertido en un nombre muy conocido en Congo Brazzaville. Es un dúo, uno negro, uno blanco de Oupta y de Kébèn, con una combinación de voces que provoca resultados apasionados. Sus espectáculos tienen calidad rítmicas y mucho colorido.

Favoritos durante el Festival de Fespam festival, su música se sitúa entre África y el Occidente, combinando con sutileza idiomas y ritmos étnicos congoleños con los estilos de la variedad, funk y jazz. Ofrecen un Nuevo color a la paleta musical congoleña, lejos de los clichés de Ndombolo. Lang’i canta en varias lenguas del Congo, incluyendo lari, mbochi, téké and lingala, unificando los grupos étnicos heridos después de tantos años de devastación y guerra civil. Sus canciones tienen un mensaje muy pertinente para los congoleños pero también contiene un mensaje universal.

Lang’i ha grabado un CD a promocional y su álbum saldrá a finales de 2006.

Malouma
Mauritania:

Malouma es la primera mujer de Mauratania que ha introducido la música moderna de Mauritania. Hemos tenido la suerte descubrir a Malouma en 1998 cuando salió su primer álbum “Desert of Eden', Malouma es una artista, compositora e interprete muy talentosa con una voz extraordinaria.
Su música combina sonidos tradicionales y modernos mezclando estilos occidentales con la música mora del Sahara y añade guitarras eléctricas a los instrumentos tradicionales como el tidinit.

Su anclaje es tradicional pero su música se inscribe en la modernidad, inspirada por las canciones del desierto y nadando con el ritmo del río Senegal, en un lugar donde cruzan las melodías de África occidental, del mundo Árabe y Berbera, entre el Sahel y las sabanas. Su música es única. Es conocida también como militante y portavoz de los derechos de la mujer en un país musulmán.

Manou Gallo
Costa de Marfil:

Después de dos temporadas intensas, productivas y exitosas, haciendo más de 100 conciertos en Europa, África y EE. UU., Manou Gallo empieza con exclusividad su Nuevo tour durante el Festival ACP de Santo Domingo. Acaba de terminar su último álbum que saldrá en 2007.

Manou es una mujer africana moderna igual que su música, etnicidad y cultura. Contemporánea y cosmopolita, encuentra su inspiración durante sus viajes en el mundo y su vida en Europa, manteniendo sus raíces djiboi en la Costa de Marfil.
Su música es una fusión de poliritmos africanos con blues, funk, groove y rock. Sus canciones hablan de África, de la Costa de Marfil, sus ciudades, sus mujeres, sus dolores y alegrías. Esta abriendo con fuego el camino para una nueva generación de música africana.

Mayra Andrade
Cabo Verde:

Mayra Andrade nació a Cuba pero sus padres son de Cabo Verde. Ha vivido en Cabo Verde, Senegal, Angola y Alemania. Cuando tenía 16 años, durante los Juegos francófonos en Ottawa Hull, Canadá, ganó para Cabo Verde la primera medalla internacional de oro. Eso tuvo una importancia grandísima para un pequeño país (10 islitas, 500knm donde la música es casi la única cosa que se puede exportar). Desde entonces Mayra ha realizado numerosos conciertos.
En enero del 2005, después de haber participado en festivales en Nantes, Rennes, Africajarc y apoyado a Cesaria Evora, Enrico Macias y el cubano Ernesto Tito Puentes, Charles Aznavour la invito para grabar con el, en un dúo, una canción de su nuevo álbum.

Portavoz de la cultura del Cabo Verde, Mayra impone su estilo único en la tarima. Tiene una voz profunda, calurosa y suave. Puede cambiar con una facilitad increíble de Moma a Funana y de Coladeira a Batuque añadiendo su toque personal en estilo jazz.

Su personalidad y talentos llevan un brisa de oxígeno en la música de las islas de Cabo Verde, una herencia que mezcla ritmos africanos y ritmos del Viejo Continente.

Menwar and Sagaï
Islas Mauricio:

Menwar es el embajador más creativo de la Música Sega de las Islas Mauricio. Su música es muy tradicional y sus raíces son africanas. Empezó su carrera hace 30 años y hoy está considerado como uno de los artistas más importantes de la isla. Todos han reconocido sus talentos de percusionista.

Fundó una escuela donde enseñó su propio método de tocar el “ravanne”, el instrumento de percusión más importante en la música Sega. También utiliza instrumentos inventados por él mismo, como la “kanenba” utilizando flores de caña o “pistacho” con maní.

Después de haber experimentado con varios enfoques, creó un nuevo concepto de música sega con su grupo Sagaï. Sus palabras expresan las dificultades de los mauritanos.

El grupo tiene 5 percusionistas polivalentes que utilizan instrumentos musicales de Océano Índico y de África y una guitarra eléctrica que le imprime fuerza a su voz. Menwar mezcla el ritmo de la isla con blues, funk y elementos africanos para ofrecer una experiencia musical criolla única, que refleja su creatividad, poesía y búsqueda permanente de nuevos sonidos de la música sega.

Mungal Patasar and Pantar
Trinidad y Tobago:

Hay que imaginar la mezcla de dos de los más originales instrumentos: la Antigua citar de la música clásica de la India y el único instrumento musical inventado en el siglo XX: el steepan. Luego hay que añadir los ritmos complejos de la tabla que combinan con la sutileza de un percusionista de jazz o la dinámica de un percusionista africano, mezclar melodías de la calipso derivadas de África y de Europa, sin olvidar las clásicas ragas de la India.

La orquestra Mungal Patasar y Pantar fue fundada en 1994 por Mungal Patasar, bien conocido por sus experimentaciones con música india clásica, calipso y jazz.
Empezó como mandolinista en 1965 y participó en varias orquestas de la India y bandas sonoras de películas de la India. Recibió una beca par estudiar shastra sangeet.

Aun su primera pasión es shastra sangeet, Mungal siguió en el camino de la música fusión. Grabó su primer álbum en 1996, “Nirvana” con su orquestra Pantar. El éxito fue tal que Virgin Records de Francia le propuso que grabe su segundo álbum Dreadlocks con ellos.

Nfithe
Mozambique:

Nfithe, "The Warlocks", es un grupo musical de la ciudad de Beira en el norte de Mozambique. Estos ocho jóvenes están juntos desde el 2002, inspirados por sus tradiciones africanas para crear una música original y moderna, focalizados en la música bailable.

Los textos reflejan sus vidas y preocupaciones, el sufrimiento de los niños, el SIDA o la guerra, pero mantienen en sus canciones un sentido del humor. Narran la historia de un gato que dejó escapar a un ratón por que le gustaba la carne de calidad…, cuando finalmente obtiene su carne, el gato invita a los ratones para que participen en su fiesta.

Nfithe obtuvo el premio del Music Crossroads Mozambique Festival 2006 (Jeunesses Musicales Internacionales) en Maputo.
Sus conciertos hierven con una energía tremenda y todos los espectadores bailan, olvidando el sufrimiento del continente…

Omar Pène
Senegal:

En 1976 las calles de Dakar están divididas en dos partes. De un lado, los fanáticos de Youssou N’Dour y sus Estrellas. Del otro lado, aquellos de Omar Pène y su Super Diamono. Mientras que Youssouf cantaba sonidos de fuego m’balax, Omar creaba su estilo propio. Sus raíces siguieron siendo senegaleses pero su música formada por jazz, funk e influenzas afro-cubanas y su niñez pasada en las calles lo han convertido en un héroe para los estudiantes, la gente sin trabajo y de los pueblos.

En 1972, Baila Diagne estaba buscando a un cantante para su grupo la Orquestra Kadd y encontró a Omar Pène. Así empezó su carrera. Tres años y un álbum mas tarde, la Orquestra Kadd fusionó con otros grupos de Dakar para crear Super Diamono (que significa “generación” en la lengua woloff). Juntos han grabado varios sencillos incluyendo Soweto en 1987. Omar Pene hasta ahora ha firmado por lo menos 600 canciones.

El artista es más que un simple cantante. Sus textos han estructurado su carrera. Con Afsud-Senegal (l’Amical des Fans du Super Diamono, o Super Diamono Fan Club) creado en 1989, trabajó para mejorar la vida de los senegaleses. Patrocina el Festival Banlieue Rythme, cuyo objetivo es mejorar la vida en la zona obrera de Guediawaye.

Recibió el Premio Kora de Oro en Johannesburgo en 1998. Omar Pène es una leyenda viva en su país y también en el mundo.

Simon Nwambeben
Camerún:

Simon Nwambeben nació en 1976, en la ciudad de Bafia, ubicada a 120 Km. de Yaoundé, la capital de Camerún. Creció en la parte occidental de esta región en una familia de musicantes. Cuando él tenía 19 años, el director de la compañía Royal Deluxe street theatre lo vio en un concierto. Lo invitó a Nantes, Francia, donde trabajó durante 5 años y donde fue el director de espectáculos musicales “Petits contes nègres” (“Pequeños cuentos negros”) así como “Petits contes chinois revus et corrigés par les nègres.” (“Pequeños cuentos chinos revisados y corregidos por los negros”).

Con las influencias de los ritmos Bantú y la tradición Bafia, empezó a crear su estilo propio, el Bitibak. En su región, bitibak es el nombre dado a una mezcla de varias hojas y matas utilizada para el tratamiento de la malaria y fiebres.
Con su guitarra, apoyado por percusiones muy finas y dos vocalistas, Simon nos lleva en un universo de poesía, sencillez y humanidad. Sus canciones en bafia y francés, reflejan sus deseos de paz, tolerancia y amor de la vida.

BAILE TradiCional Y MUSICA, LA Gran ParadA
Amazones, maestras de los tambores
Guinea vía Montreal:

“Anoche, Ile d’Orléans estaba bailando al ritmo de sonidos africanos. Amazones, un grupo de mujeres de Guinea percusionistas, sin miedo de romper tabú, tenia la audiencia encantada.”

“En Guinea, solo hombres tienen el derecho de jugar con algunos instrumentos – el djembé, el krin, el bolon y el doundoun (tambor). Se puede imaginar el efecto producido cuando una mujer como Fatoumata Kouyaté se siente detrás de un balafon, un instrumento real que anteriormente se podía jugar exclusivamente para el rey Soso.

“La revolución feminista empezó en Guinea […]. Durante horas, los musicantes vestidas con sus hermosos “boubou” y koris (ropas con caracoles) fascinaban a los espectadores.

“La intención fue ofrecer una alimentación intelectual pero la idea mayor del espectáculo es sobretodo proponer una vitrina de las tradiciones de las cuatro regiones culturales de Guinea. De Soniséné, el ritmo de los paisanos cuando trabajan en el campo hasta Doundounba, la música de las ceremonias de los pescadores, Amazones nos enseñaron sus talentos. Para terminar el espectáculo, los ruidosos ritmos del Soli, normalmente reservados solo para la ceremonia de circuncisión de los hombres adolescentes. Durante esta noche cada persona presente sentía que tenía un poco de sangre africana en sus venas-” -

Mathias Marchal (Le Soleil)
Racine Mapou de Azor
Haití:

El éxito de Racine Mapou de Azor es la prueba del reconocimiento de la cultura vudu a través la música y la aceptación de la identidad haitiana por los africanos.

Los miembros del grupo, todos practicando el vudú, hablan abiertamente de sus enlaces con las tradiciones y el universo simbólico del vudú. Quieren mantener una conexión con las raíces de esta tradición con la imagen del Mapou, el árbol sagrado del vudú. El mapou tiene raíces exteriores impresionantes donde, dicen, viven los espíritus.

Con sus cantos, percusión, tambores y congas, Racine Mapou de Azor hacen música tradicional, llamada pura “rasin” (raíz) sin instrumentos eléctricos o modernos. Arriba del ritmo infatigable de los tambores rada, petro y rara, surge la poderosa voz de Azor, con las características de los oficiantes de las ceremonias del vudú, acompañada por un coro de mujeres. Es al mismo tiempo, una celebración de dioses del vudú, la confirmación de sus relaciones con las raíces vudú y también un comentario sobre temas políticos y la lucha de los artistas.

Después de 9 años, han grabado 7 discos, varios tours internacionales y un documental, Haïti, cœur battant de Carl Lafontant, Racine Mapou de Azor han mantenido la autenticidad de su música tradicional pero utilizando técnicas modernas de difusión. Eso ha permitido su impacto en el mundo musical haitiano.

Los Tambores de Gishora
Burundi:

Hace mucho tiempo, en Burundi, los tambores fueron mucho más que instrumentos musicales. Fueron objetos sagrados, utilizados solamente durante circunstancias excepcionales y ceremonias rituales.

Ubicado en el municipio de Giheta, Gishora fue el área de los tambores de ascendencia Banyagisaka. Dos tambores sagrados, llamados Ruciteme (“para aquellos limpiamos”) y Muriminwa (“para aquellos cultivamos”), están conservados en el Palacio de los Tambores.

En un bosque sagrado de la Colina Gishora, la gente ofrecía comida al pitón sagrado del santuario. Gishora sigue siendo un lugar histórico muy popular para aquellos que desean conocer los tambores de Burundi. Es una tradición que pasa de generación a generación y a pesar de todas las crisis políticas del país, el ritmo de los tambores no ha cambiado.

DESFILE DE MODA:

Anggy Haïf
Camerún:

Anggy Haïf nació en 1974 y ha heredado su talento de su mama. Se mudo a Yaoundé donde nació su interés en el diseño de moda. Su apariencia original facilitó también su trabaja como modelo.

Inauguró su primera colección, Ancestrale, en 2001 para el concurso Top Model de Camerún. En 2002, dirigió el desfile de moda mensual en el Hotel Milton de Yaundé y fue el diseñador oficial del concurso Miss Camerún en 2002.
Personaje importante en el mundo de la moda, ha dirigido la agencia Bise Model desde 2001, inauguró la Asociación de Jóvenes Diseñadores Cameruneses, organizó el festival de jóvenes diseñadores y peluqueros el mismo año y finalmente el Kamerly, el espectáculo de moda más grande “Made in Kamer” en el año 2002.

En su arte, Anggy Haïf reúne el hombre y la naturaleza. Utiliza materiales naturales para fabricar sus ropas: rafia, hojas, raíces, fibras de palmeras y material reciclado. Se inspira de la cultura africana más profunda, pero no tiene miedo a mezclar telas modernas y tradicionales.

Leslie Nérette
Haití:

Leslie Gaëlle Nérette tiene 25 años y es haitiana. Desde siempre interesada por todas formas de arte. Pero un deseo natural la empujó para que se especializara en áreas que existen en armonía perfecta con un universo donde formas y movimientos son una sola cosa: artes platicas, diseño grafico y moda. Donde estudiaba, ganó el segundo premio en un concurso.

Después de sus estudios, le gustaría viaja y buscar su inspiración en las experiencias de los otros. Le encanta la diversidad, la simplicidad y el surrealismo. Admite también su amor por la fotografía.

CINEMA ACP:

Krai Bilong Kuedtho (Call of the Kuedtho)
Papua Nueva Guinea, 2006
Director: Martin Madem
Documental:

Una comunidad, aislada y rural en las montañas de Papua Nueva Guinea, está confrontado las oportunidades pero también las amenazas de la introducción de una mina de oro en sus tierras. La comunidad ya ha perdido muchas de sus tradiciones culturales a causa de la evangelización de los misionarios. La comunidad decide instigar un último renacimiento antes de la destrucción total de su cultura en las manos de los intereses mineros y capitalistas.

La película se convierte, para ellos, en el Arca de Noe, una nave en la cual van a poner todas las cosas preciosas de su cultura, que las generaciones futuras podrían descubrir sobre ellos. Rodeado en HDV, el director ayuda a un pueblo analfabeto “escribir” lo esencial de su historia oral y profundiza las reflexiones de esta comunidad sobre su presente y las presiones del mundo moderno que resultaron en la aceptación de la actividad minera como solución para participar en la economía global.

Calypso at Dirty Jim’s
Trinidad, France, 2005
Documental, Digital Betacam, colour, 85’
Director: Pascale Obolo:

El calipso es el alma de Trinidad. Durante tres siglos, sus cantantes han representado el mundo criollo como si fueran los gritos del Caribe. Son improvisadores excepcionales, poetas alérgicos a todas formas de censura, cantan la historia de la esclavitud, de la libertad, guerras mundiales, independencia y emigración, sin olvidar el amor, con una dosis importante de chismes y sexo.

Lord Pretender, Lord Beginner y Lord Kitchener, muchos de los legendarios maestros han muerto en los últimos años. Pero, en Trinidad todavía quedan algunos como Mighty Sparrow, Mighty Terror, Bomber, Calypso Rose, y Lord Superior. En el grupo Calypso at Dirty Jim’s las ultimas estrellas todavía lucen pero ha entrado una nueva generación: cantantes de soca y poetas rapso.
Calypso at Dirty Jim’s une esta nueva generación de artistas.

Hollow City (Na Cidade Vazia)
Angola, 2004
Director y guión: Maria João Ganga
Ficción, 88’, 35mm:

Actores: Roldan João, Domingos Fernades Fonseca, Raul Rosario, Julia Botelho, Ana Bustorff

Un grupo de niños refugiados de la guerra toman un vuelo, en la compañía de una monja, a Luanda, la capital de Angola. Al llegar en el aeropuerto de Luanda, uno de los niños, N’dala escapa para descubrir la ciudad. La monja empieza la búsqueda del huérfano. N’dala penetra la ciudad destruida, imaginando que está volviendo a la casa de sus difuntos padres.

Al anochecer de esta ciudad degradada, las ilusiones revolucionarias se han convertido en polvo, los encuentros son difíciles y fascinantes. Joka, un personaje excluido de esta ciudad, ofrece a N’dala un poco de dinero para que el lo ayude a robar.

Maria João Ganga nació in Huambo, Angola en 1964. Estudio cinematografía en la Escuela de películas ESEC en Paris cuando su país padecía de la guerra civil. Ha sido asistente director de documentales, pero su trabajo más importante es escribir obras de teatro para niños y dirigirlas con ellos en Luanda.

Mahaleo
Madagascar, Francia, 2005
Director: Raymond Rajaonarivelo y Cesar Paes
Documental, 35mm, color, 90’:

En el idioma malagasi “Mahaleo” significa libre, independiente…
Las voces y música de Mahaleo han acompañado al pueblo de Madagascar desde el derrumbamiento del sistema colonial. Pero, después de 30 años de éxito, el grupo ha mantenido sus distancias frente al mundo del show business y siguen profundamente involucrados en el desarrollo del país, sus carreras siendo cirujanos, agricultores, sociólogos y miembros del Parlamento.

La película, acompañadas por las melodías rítmicas del grupo, sigue los cantantes a través sus vidas cotidianas, dándonos una imagen de los graves problemas sociales y económicos del pueblo de Madagascar. Los talentos unidos del brasileño Cesar Paes, y Raymond Rajaonarivelo de Madagascar han creado una obra concreta, poética y política.

Nha Fala / My Voice Portugal, Francia, Luxemburgo, 2002 Director: Flora Gomes Guión: Flora Gomes, Franck Moisnard, Jani Thiltges
Actores: Fatou Ndiaye, Jean-Christophe Dollé, Angelo Torres, Bia Gomes, Jorge Biague, Carlos Imbombo, Danielle Evenou, François Hadji-Lazaro
Ficción, 35mm, color, 90':

Antes de irse a Europa para terminar sus estudios, Vita, una joven africana hace la promesa a su mamá que nunca cantará. Existe una leyenda familiar que dice que si una mujer de la familia canta, será hechizada y morirá. En Paris, Vita encuentra a Pierre, un joven músico y se enamora de él. Llena de alegría, empieza a cantar. Se queda asustada por haber cantado pero Pierre le ruega grabar un disco. La canción es un enorme éxito. Temiendo de que se entere su mamá de no haber cumplido con su promesa, Vita decide volver a su casa para morir. Con la ayuda de Pierre, organiza su propia muerte y resurrección, enseñando a su familia y amigos que todo es posible si uno tiene el valor de osar…

2002: Official Competition 59th Mostra in Venice (Arco Iris Prize given by the city + Prize Lanterna Magica of the best picture for youth); Amiens Film Festival (Prize of the City of Amiens + Signis Grand Prize).
2003: Fespaco (Prize of the city of Ouagadougou + UEMOA Prize); Caminhos do Cinema Português (Prize of the Jury + Prize of the audience) 2004: Vues d'Afrique à Montréal (Grand Prize.

Nació en Cadique (Guinea-Bissau) en 1949, Flora Gomes estudió cinematografía en el Instituto de Artes e Industria Cinematográfica (ICAIC) de Cuba y noticias televisivas en Senegal con Paulino Soumarou-Vieyra. Ha trabajado como reportera y asesora del ministro de Información. Su ópera prima, el filme Mortu Nega (1987) fue seleccionada y premiada en numerosos festivals de cine y se convirtió en un suceso.

O Grande Bazar
Mozambique, 2005
Director y guión: Licinio Azevedo
Video, 58 min.:

En un barrio de una ciudad africana, Paito, un niño de 12 años, vende dumplins para ayudar a su familia. Un día, una pandilla de jóvenes ladrones roba su dinero. El niño decide no volver a su casa hasta que recupere el dinero. Se va por la ciudad y toma el mismo tren que los ladrones. Buscando trabajo, empieza a vivir en un mercado que durante la noche se convierte en un dormitorio para los vendedores sin casa.

Encuentra a Xano, un niño de su edad. Paito es muy atraído por la conducta insolente y sin medio de Xano. A Xano no le gusta trabajar y roba solamente para evitar vivir con su familia. A pesar de sus diferencias, una amistad crece entre ellos. Poco a poco, utilizando su creatividad y sus habilidades a negociar, Paito acumula el dinero perdido pero los ladrones también viven en el mercado y roban dinero de los otros niños. Representan una amenaza permanente.

Nacido en Brasil, Licinio Azevedo vive en Mozambique desde 1975. Tiene una larga carrera haciendo películas y documentales. Ha trabajado en el Instituido Nacional de Cine en Mozambique, y ha colaborado con Ruy Guerra y Jean-Luc Godard. Actualmente, trabaja como independiente y es cofundador de la Compañía de Producción de Mozambique.

Le Silence de la forêt / The Forest República África Central, Camerún, Gabón, 2003
Director: Didier Ouénangaré, Bassek ba Kobhio Guión: Didier Ouénangaré, Bassek ba Kobhio, Marcel Beaulieu, adaptado de la novela de Étienne Goyemidé
Ficción, 35mm, color, 93':

Actores: Eriq Ebouaney, Sonia Zembourou, Nadège Beausson-Diagne, Philippe Maury y los pigmeos del pueblo de Akungu

Después de sus estudios en Francia, Gonaba vuelve a su país donde trabaja como inspector de escuelas. De repente, toma la decisión de dejar la ciudad e ir a vivir en el corazón de la jungla ecuatorial donde viven los pigmeos Babinga. Gonaba quiere ayudarlos a liberarse de la “gente grande”. Para él, el racismo contra ellos es insoportable. Esta aventura y estos encuentros lo enseñarán que la felicidad es la cosa más relativa del mundo.

Didier Ouénangaré nació un 23 de febrero en Bambari (República África Central). En 1983, se mudó a Rennes (Francia), donde ha trabajado como camarógrafo de la televisión francesa FR3. Ha creado en 1995, Afrique Bretagne Vidéo Production en Bangui. Bassek ba Kobhio nació el 1de enero 1957 en Nindje (Camerún) y trabajó como primer asistente del director de la película Chocolat de Claire Denis en 1987. Ha dirigido FESTAC, un documental corto antes de rodar su primer largometraje, Sango Malo, en 1991. En 1991, ha creado en su país Les Films Terre Africaine, una compañía de producción muy activa. Cuatro años después, lanzó Écrans Noirs, un festival itinerante en Camerún, Gabón y la Republica Central Africana.

Traces, empreintes de femmes
Senegal, 2003 Documental 52’ Directora & Guión: Katy Lena N’Diaye
Las pinturas murales de las mujeres Kassenas en Burkina Faso, cerca de la frontera con Ghana, son famosísimas por la belleza de sus motivos y la armonía de sus colores.

Interesado en hacer de estas pinturas su sujeto, Katy Lena Ndiaye eligió hacer una comparación entre tradición y modernidad, vista a través de retratos de tres ancianas y su “nieta” que están iniciando en el arte ancestral.
Katy ha hecho una película con una estética muy bien controlada, un retrato genuino de una comunidad artística preocupada por el trema de la preservación y continuidad de las tradiciones, educación y memoria en un continente que vive un proceso de cambios fundamentales.

Premio del Jurado - Festival del cine de Saint-Denis - La Reunión, Francia 2004
Zulu Love Letters
Francia, Sudáfrica, Mozambique, Alemania, Reino Unido, 2004
Director: Ramadan Suleman Guión: Bhekizizwe Peterson, Ramadan Suleman
Ficción, 35mm, color, 105':

Actores: Pamela Nomvete, Mpumi Malatsi, Kurt Egelhof, Patty Patience
Sudáfrica en los años 90. Thandeka es una periodista negra atormentada por los fantasmas del apartheid que encuentra refugio en el alcohol. Su hija, Simangaliso, ha sido siempre sorda y padece de la indiferencia de su madre. Anteriormente Thandeka había sido testigo del asesinato de una joven llamada Dineo. Metua, la madre de Dineo, la pide testificar frente a la Comisión “Verdad y Reconciliación”. Quiere encontrar a los asesinos de su hija y que indiquen el lugar donde han enterrado el cuerpo de su hija, segura que eso es la única manera de liberar el alma de Dineo. Mientras tanto, Simangaliso está preparando un mensaje secreto (un código zulú hecho con perlas de color) como ultimo señal a su madre.

Ramadan Suleman nació en 1955 en Durban (Sudáfrica). Fundó el Teatro Dhlomo, el primer teatro en Johannesburgo. Su primera película Fools (1997) ganó el Leopardo de Plata en el Festival de Cine en Locarno y recibió el Premio Oumarou Ganda y el premio de la Unión Europea de la Fespaco 1999.

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